ESPACIOS COMPRIMIDOS. Por: Axel Samaniego
En 1791, el filósofo inglés Jeremy Bentham diseñó una prisión como nunca antes se había conocido otra: el Panopticón. En ella, los carceleros podrían observar desde un punto invisible a los reclusos en todo momento y así éstos nunca sabrían si alguien les estaba mirando, por lo que permanecerían en constante tensión.
Bentham aseguraba que después de una larga temporada en el Panopticón, todo el que saliera de ahí seguiría actuando como si estuviese siendo vigilado.
Aunque esta cárcel nunca llegó a ser construida y en su época fue considerada una genialidad únicamente por su creador, lo realmente importante de este invento sería lo que a partir de ese momento significaría: ser prisionero.
Espacios Comprimidos es una mirada muy personal que logra acercarse con verdadera astucia a una realidad en la que todos nos vemos atrapados día a día; convencidos de que no hay escapatoria, a través de los ojos de una ciudad que se muestra omnipresente y nos acecha en silencio.
Axel Samaniego P.
Creativo Publicitario.
Bentham aseguraba que después de una larga temporada en el Panopticón, todo el que saliera de ahí seguiría actuando como si estuviese siendo vigilado.
Aunque esta cárcel nunca llegó a ser construida y en su época fue considerada una genialidad únicamente por su creador, lo realmente importante de este invento sería lo que a partir de ese momento significaría: ser prisionero.
Espacios Comprimidos es una mirada muy personal que logra acercarse con verdadera astucia a una realidad en la que todos nos vemos atrapados día a día; convencidos de que no hay escapatoria, a través de los ojos de una ciudad que se muestra omnipresente y nos acecha en silencio.
Axel Samaniego P.
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LA REVANCHA DE LA FOTOGRAFÍA .Por: Jahel Sanzsalazar
LA REVANCHA DE LA FOTOGRAFÍA
Si la pintura nació del deseo de plasmar la realidad, la fotografía la desbancó de su función primera, atrincherándola en fórmulas abstractas ajenas a la realidad. A su vez, la fotografía sufrió confinada a la fiel captación de lo real. Llegando al paroxismo hiperrealista, la pintura trató de plasmar la realidad de manera tan exacta como la fotografía, apropiándose de sus mismos recursos.
Algo parecido veo en la obra de Joan Bernat Llordès, pero él ha ido al revés. Alcanza, a partir de la fotografía, las categorías intrínsecas de la pintura, sin utilizar sus medios. En un juego a la inversa, las líneas son una auténtica caligrafía constructiva. Los perfiles, los colores y la atmósfera se funden para hacer pintura, en una original metamorfosis de la realidad visual. Dota la fotografía de valores oníricos y coloristas. No se trata de una combinación de líneas en perspectiva, sino de construcciones en ósmosis con la luz y el color.
Larga es la tradición del paisaje de arquitectura como fuente de inspiración de los pintores, tanto en la Roma antigua, como en el Renacimiento y el Barroco. Al llegar el siglo XVI, y particularmente en el XVII, Italia y con más pasión los Países Bajos vieron nacer auténticos especialistas del género: unos siguieron la línea, y otros rompieron con su rigidez, logrando la perspectiva aérea y la emoción con percepciones pictóricas. En la Italia del XVIII, las pinturas de arquitectura tuvieron identidad propia. El Vedutismo se centró en la perspectiva con las posibilidades que ofrecía la cámara oscura, con el resultado descriptivo propio de la topografía, desembocando en un juego caprichoso de la realidad.
Monet nos transmitió en sus catedrales emociones condicionadas por el tiempo y las luces en el furtivo transcurrir de las horas. Fundió sus iglesias con el aire y logró trasformar la piedra con fluctuantes colores. El expresionismo (cuyos fundadores eran estudiantes de arquitectura) se esforzó en plasmar emociones con el color. El cubismo encorsetó todo en formas sólidas y rígidas, negando la atmósfera; y el Surrealismo trasladó la imagen arquitectónica al subjetivismo automático del inconsciente.
Capriccio, Impresionismo, Expresionismo, Cubismo y Surrealismo se combinan en el trabajo fotográfico de Joan Bernat Llordès. Sus visiones contemporáneas, orgánicas y estructuradas arrastran ecos de los momentos de eclosión de la modernidad, con la fascinación por las fábricas y las máquinas.
Joan Bernat Llordès logra combinar la realidad, la emoción y el onirismo de los pintores de las modalidades mencionadas en este corto recorrido histórico por el terreno de la pintura arquitectónica. Juega con la fotografía para hacer pintura, y consigue hacernos olvidar el medio que utiliza. Los logros están a la vista en las composiciones que aquí se exponen, en las que difícilmente percibimos la objetiva frialdad de la lente de la máquina fotográfica, pero sí todas las posibilidades que un pintor imprime en sus paisajes arquitectónicos.
Toma un giro a la inversa, vengando así la sumisión de la fotografía a la naturaleza y la arquitectura. Sus obras parten de la realidad, pero en un mundo fantástico preñado de emociones que van más allá. La fotografía deja ahora de ser esclava del objeto: no sólo supera su antigua finalidad, sino que vuelve a “robar” el territorio dominado por la pintura, al adueñarse de sus valores.
Jahel Sanzsalazar
Historiadora del Arte.
Especialista en Arte Flamenco
Si la pintura nació del deseo de plasmar la realidad, la fotografía la desbancó de su función primera, atrincherándola en fórmulas abstractas ajenas a la realidad. A su vez, la fotografía sufrió confinada a la fiel captación de lo real. Llegando al paroxismo hiperrealista, la pintura trató de plasmar la realidad de manera tan exacta como la fotografía, apropiándose de sus mismos recursos.
Algo parecido veo en la obra de Joan Bernat Llordès, pero él ha ido al revés. Alcanza, a partir de la fotografía, las categorías intrínsecas de la pintura, sin utilizar sus medios. En un juego a la inversa, las líneas son una auténtica caligrafía constructiva. Los perfiles, los colores y la atmósfera se funden para hacer pintura, en una original metamorfosis de la realidad visual. Dota la fotografía de valores oníricos y coloristas. No se trata de una combinación de líneas en perspectiva, sino de construcciones en ósmosis con la luz y el color.
Larga es la tradición del paisaje de arquitectura como fuente de inspiración de los pintores, tanto en la Roma antigua, como en el Renacimiento y el Barroco. Al llegar el siglo XVI, y particularmente en el XVII, Italia y con más pasión los Países Bajos vieron nacer auténticos especialistas del género: unos siguieron la línea, y otros rompieron con su rigidez, logrando la perspectiva aérea y la emoción con percepciones pictóricas. En la Italia del XVIII, las pinturas de arquitectura tuvieron identidad propia. El Vedutismo se centró en la perspectiva con las posibilidades que ofrecía la cámara oscura, con el resultado descriptivo propio de la topografía, desembocando en un juego caprichoso de la realidad.
Monet nos transmitió en sus catedrales emociones condicionadas por el tiempo y las luces en el furtivo transcurrir de las horas. Fundió sus iglesias con el aire y logró trasformar la piedra con fluctuantes colores. El expresionismo (cuyos fundadores eran estudiantes de arquitectura) se esforzó en plasmar emociones con el color. El cubismo encorsetó todo en formas sólidas y rígidas, negando la atmósfera; y el Surrealismo trasladó la imagen arquitectónica al subjetivismo automático del inconsciente.
Capriccio, Impresionismo, Expresionismo, Cubismo y Surrealismo se combinan en el trabajo fotográfico de Joan Bernat Llordès. Sus visiones contemporáneas, orgánicas y estructuradas arrastran ecos de los momentos de eclosión de la modernidad, con la fascinación por las fábricas y las máquinas.
Joan Bernat Llordès logra combinar la realidad, la emoción y el onirismo de los pintores de las modalidades mencionadas en este corto recorrido histórico por el terreno de la pintura arquitectónica. Juega con la fotografía para hacer pintura, y consigue hacernos olvidar el medio que utiliza. Los logros están a la vista en las composiciones que aquí se exponen, en las que difícilmente percibimos la objetiva frialdad de la lente de la máquina fotográfica, pero sí todas las posibilidades que un pintor imprime en sus paisajes arquitectónicos.
Toma un giro a la inversa, vengando así la sumisión de la fotografía a la naturaleza y la arquitectura. Sus obras parten de la realidad, pero en un mundo fantástico preñado de emociones que van más allá. La fotografía deja ahora de ser esclava del objeto: no sólo supera su antigua finalidad, sino que vuelve a “robar” el territorio dominado por la pintura, al adueñarse de sus valores.
Jahel Sanzsalazar
Historiadora del Arte.
Especialista en Arte Flamenco
RESEÑAS PUBLICACIONES
Joan Bernat, el espacio como excusa. Por: Alena Collar.
Octubre 5, 2008 - Publicado por alenarterevista |
Joan Bernat lo que realiza con esta muestra es mostrar todo aquello que hay en y/o detrás del espacio.
( Catedral)
La exposición de Joan Bernat en Madrid, en la sala Mushotoku, desde el seis de octubre y hasta el diecinueve, con el título Espacios Comprimidos, representa la oportunidad de conocer a un joven artista catalán ( 1984), que, según Axel Samaniego, publicista,” ha ido evolucionando desde una concepción mas tradicional del arte hacia la investigación con nuevos materiales y formatos ( nuevas tecnologías, video, fotografía, electrónica), pero intentando mantener siempre esa fuerza volumétrica característica de la escultura y del arte mas “clásico”.Según Jahel Sanz Salazar, crítica de arte, Joan Bernat “Alcanza, a partir de la fotografía, las categorías intrínsecas de la pintura, sin utilizar sus medios. En un juego a la inversa, las líneas son una auténtica caligrafía constructiva. Los perfiles, los colores y la atmósfera se funden para hacer pintura, en una original metamorfosis de la realidad visual. Dota la fotografía de valores oníricos y coloristas. No se trata de una combinación de líneas en perspectiva, sino de construcciones en ósmosis con la luz y el color. “
Se enmarca por tanto dentro de lo que se puede denominar nuevas tendencias del Arte, en una interdisciplinariedad que abarca diversos campos del arte, y también diversos motivos.
Aquí se trata del espacio. Habitualmente consideramos el espacio como volumetría, pero también cabría hablar del espacio como marco de presentación de elementos que lo configuran, y Joan Bernat lo que realiza con esta muestra es mostrar todo aquello que hay en y/o detrás del espacio.
Y en él, claro es, se encuentran objetos, figuras, seres o simplemente sensación; en este caso la sensación de cárcel, o de compresión del lugar que se habita, o que se deshabita. De ahí el nombre de la exposición.
(Colmena)
Bernat muestra aparencialmente algo que nunca es exactamente eso sino el reflejo de una sumisión al espacio; éste por tanto se ofrece como lugar hostil, lleno de sombras, cuando más de claroscuros.
Joan Bernat es escultor, pintor, dibujante y fotógrafo; interesado por las nuevas técnicas digitales de arte, experimentador de tendencias y sobre todo joven.
Y nos explicamos.
Contemplando esta muestra se advierte una gran frescura natural, una elaboración, sí, de lo que se ofrece, pero a la vez una cierta ingenuidad muy de agradecer, ingenuidad que, probablemente no se tendría de contar con una experiencia de edad muy valorable pero a menudo muy castrante en lo artístico. Por ejemplo, en su obra Catedral, nos parece encontrar una referencia implícita a Gaudí, casi un homenaje, que denota influencias. Bien, esto Joan Bernat no parece ocultarlo, al contrario, le sirve para referenciar esa catedral con un nuevo sentido, distinto al Gaudiano, suyo propio; aquí la catedral no muestra la divinidad, no expresa pensamiento sacralizado, sino lejanía, ocultamiento, veladura, hostilidad del objeto, y del espacio en torno suyo.
La obra Colmena, recordaría un fotograma de Visconti, o del neorrealismo italiano. La interpolación del color casi como mancha, casi expresionista, es decir significativo en sí mismo es todo un canto a la indiferencia de la polis. Aquí no griega, aquí urbe en toda su connotación estilística.
( Tunel)
La obra con el nombre de Túnel, es una fotografía casi instantánea de la sordidez inhabitable, con analogías al realismo social francés, no se puede evitar acercarse a ella pensando en El último Metro de Truffaut.
Esa frescura expresiva en la obra no debería perderla Joan Bernat; es para nosotros la clave de la verdad de la obra, de su sinceridad, de su ingenuidad tan sugerente.
En cuanto a la juventud…le dirán que se pasa con el tiempo; yo añadiría que, lamentablemente. Sería de agradecer que nunca la perdiera, al menos en la manera de acercarse a la labor de artista
Neo futurismo. Publicado en The Hi-Fiction
Joanbernat look through the red eye, esperando al momento decisivo, aquel del que hablaba Henry Cartier Bresson. Despreciando tarjetas de memoria y versatilidad digital para hallar una única fracción en la que tiempo y espacio confluyen en perfección y armonía, en isócrona majestuosidad. Pero Joanbernat no fotografía personas, sino lugares, así que después se para, espera de nuevo y vuelve a disparar y así hasta que tiene un abanico lo suficientemente amplio de momentos como para recrear una sensación y no un lugar.
Fotografía la ciudad buscando recovecos, brechas en la elasticidad temporal para encontrar un punto de referencia desde el cual todo se ve desde el mismo ángulo y su opuesto. Así, capta un estado de la materia en el que es tanto eso mismo, materia, como el breve instante que dura la obturación. Fusionandose ambos conceptos en bellas postales urbanas de perturbada geometría y colorista belleza.
Joanbernat -qué también es un perturbado- expone en Mushotoku de Madrid dentro de la exposición Espacios Comprimidos. Si tenéis algo de interés en la fotografía, la maleabilidad del tiempo, las dimensiones superpuestas o simplemente en el arte, tenéis ahora la ocasión de acercaros por allí a conocer su obra del 6 al 20 del corriente, buscar un Aleph en ella y huir de la monotonía otoñal a través de él.
http://hfctn.blogspot.com/2008/10/post-cubismo.html
VIGILAN. Publicado en Revista ITfashion
La cabeza embotada y los sentidos bajo mínimos. Paisajes oprimentes, que el escultor y artista Joan Bernat crea a partir de la técnica fotográfica, buscando resultados altamente pictóricos. Las técnicas más actuales establecen diálogo con las más ancestrales en busca de un lenguaje propio en su primera exposición “Espacios Comprimidos”.
La arquitectura de las ciudades vigila y observa con sigilo cada uno de nuestros pasos, y a veces nos atrapa y aprisiona. Fotografías de arquitectura urbana llenas de tensión y desasosiego que podréis contemplar de primera mano y hasta el próximo 19 de Octubre en Mushotoku, calle Santa Bárbara 8, Madrid.
http://itfashion.com/blog/
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